Musica elettronica

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Musica elettronica, qualsiasi musica che coinvolge l’elaborazione elettronica, come la registrazione e il montaggio su nastro, e la cui riproduzione comporta l’uso di altoparlanti.

organo elettronico

Anche se qualsiasi musica prodotta o modificata con mezzi elettrici, elettromeccanici o elettronici può essere chiamata musica elettronica, è più preciso dire che perché un pezzo di musica sia elettronico, il suo compositore deve anticipare l’elaborazione elettronica successivamente applicata al suo concetto musicale, in modo che il prodotto finale rifletta in qualche modo l’interazione del compositore con il mezzo. Questo non è diverso dal dire che un compositore dovrebbe avere in mente un’orchestra quando compone una sinfonia e un pianoforte quando compone una sonata per pianoforte. Un pezzo convenzionale di musica popolare non diventa musica elettronica se suonato su una chitarra amplificata elettronicamente, né una fuga di Bach diventa musica elettronica se suonata su un organo elettronico invece che su un organo a canne. Alcune composizioni sperimentali, spesso contenenti elementi casuali e forse di punteggio indeterminato, permettono ma non richiedono necessariamente la realizzazione elettronica, ma questa è una situazione specializzata.

La musica elettronica è prodotta da un’ampia varietà di risorse sonore – dai suoni raccolti dai microfoni a quelli prodotti da oscillatori elettronici (che generano forme d’onda acustiche di base come onde sinusoidali, onde quadre e dente di sega), complesse installazioni di computer e microprocessori – che sono registrati su nastro e poi editati in una forma permanente. Generalmente, ad eccezione di un tipo di musica eseguita che è stata chiamata “musica elettronica dal vivo” (vedi sotto), la musica elettronica viene riprodotta attraverso altoparlanti da soli o in combinazione con strumenti musicali ordinari.

Questo articolo copre sia le prime sperimentazioni con dispositivi elettronici per la produzione di suoni sia il successivo sfruttamento da parte dei compositori delle apparecchiature elettroniche come tecnica di composizione. Nel corso della discussione dovrebbe essere chiaro che la musica elettronica non è uno stile, ma piuttosto una tecnica che produce risultati diversi nelle mani di diversi compositori.

Si tratta di un articolo di carattere generale.

Storicamente, la musica elettronica è un aspetto del più ampio sviluppo della musica del XX secolo, fortemente caratterizzato dalla ricerca di nuove risorse tecniche e modi di espressione. Prima del 1945 i compositori hanno cercato di liberarsi dalla principale tradizione classico-romantica del pensiero tonale e di ricostruire il loro pensiero lungo nuove linee, per la maggior parte o neoclassiche o atonali e dodecafoniche, in cui una composizione è costruita interamente a partire da una fila tonale costituita da tutte e 12 le note della scala cromatica ordinaria.

Questo periodo precedente al 1945 è stato caratterizzato da un’intensa attività di ricerca e sviluppo.

Questo periodo precedente alla seconda guerra mondiale fu accompagnato da una sostanziale sperimentazione di dispositivi elettrici ed elettronici. Il risultato più importante per il compositore fu lo sviluppo di una serie di strumenti musicali elettronici (come l’organo Hammond e il theremin) che fornirono nuovi timbri e che posero le basi tecniche per il futuro sviluppo della musica elettronica vera e propria dal 1948 circa in poi. Il rapido sviluppo della tecnologia informatica ha avuto il suo effetto anche nella musica, tanto che il termine computer music sta sostituendo musica elettronica come descrizione più accurata dell’interazione più significativa tra il compositore e il mezzo elettronico.

La musica elettronica è rappresentata non solo da un’ampia varietà di opere del XX secolo e non solo da seri pezzi da concerto, ma anche da una sostanziale letteratura di partiture teatrali, cinematografiche e televisive e da opere multimediali che utilizzano tutti i tipi di tecniche audiovisive. La musica elettronica per il teatro e i film sembra una sostituzione particolarmente appropriata per un’orchestra disincarnata e inesistente ascoltata da un nastro o da una traccia sonora. Anche la musica popolare elettronica ha conquistato aderenti. Questa è consistita principalmente in arrangiamenti di musica popolare standard per sintetizzatori elettronici, l’uso timido di alterazioni elettroniche da parte di alcuni dei gruppi rock più ambiziosi e sperimentali, e la preparazione di registrazioni con tecniche di studio innovative.

Storia e sviluppo stilistico

Inizi

Durante il XIX secolo, furono fatti tentativi per produrre e registrare suoni meccanicamente o elettromeccanicamente. Per esempio, lo scienziato tedesco Hermann von Helmholtz tracciò forme d’onda di suoni regolari per verificare i risultati delle sue ricerche acustiche. Un evento importante fu l’invenzione del fonografo da parte di Thomas Edison e Emile Berliner, indipendentemente, negli anni 1870 e 1880. Questa invenzione non solo segnò l’inizio dell’industria della registrazione, ma dimostrò anche che tutto il contenuto acustico dei suoni musicali poteva essere catturato (in linea di principio, se non in realtà a quel tempo) ed essere conservato fedelmente per un uso futuro.

Il primo grande sforzo per generare suoni musicali elettricamente fu portato avanti per molti anni da un americano, Thaddeus Cahill, che costruì un formidabile insieme di generatori rotanti e ricevitori telefonici per convertire i segnali elettrici in suono. Cahill chiamò la sua notevole invenzione il telharmonium, che iniziò a costruire verso il 1895 e continuò a migliorare per anni. Lo strumento fallì perché era complesso, poco pratico e non poteva produrre suoni di qualsiasi portata, dato che gli amplificatori e gli altoparlanti non erano ancora stati inventati. Tuttavia, i concetti di Cahill erano fondamentalmente solidi. Fu un visionario che visse in anticipo sul suo tempo, e il suo strumento fu l’antenato degli attuali sintetizzatori di musica elettronica.

Il pittore futurista italiano Luigi Russolo fu un altro dei primi esponenti della musica sintetizzata. Già nel 1913 Russolo propose di distruggere tutta la musica e di costruire nuovi strumenti che riflettessero la tecnologia attuale per eseguire una musica espressiva della società industrializzata. Russolo in seguito costruì un certo numero di intonarumori attivati meccanicamente che grattugiavano, sibilavano, graffiavano, rimbombavano e gridavano. Gli strumenti di Russolo e la maggior parte della sua musica sono apparentemente scomparsi durante la seconda guerra mondiale.

Impatto degli sviluppi tecnologici

Tra la prima e la seconda guerra mondiale si verificarono sviluppi che portarono più direttamente alla moderna musica elettronica, anche se la maggior parte di essi furono tecnicamente, piuttosto che musicalmente, importanti. Il primo fu lo sviluppo della tecnologia dell’audio-frequenza. All’inizio degli anni ’20 erano stati inventati i circuiti di base per i generatori di onde sinusoidali, quadre e dente di sega, così come gli amplificatori, i circuiti di filtraggio e, soprattutto, gli altoparlanti. (Le onde sinusoidali sono segnali che consistono di “toni puri”, cioè senza sovratoni; le onde a dente di sega comprendono i toni fondamentali e tutti i relativi sovratoni; le onde quadre consistono solo dei parziali dispari, o toni componenti, della serie armonica naturale). Inoltre, la registrazione acustica meccanica fu sostituita dalla registrazione elettrica alla fine degli anni ’20.

Secondo, lo sviluppo di strumenti musicali elettromeccanici ed elettronici progettati per sostituire gli strumenti musicali esistenti, in particolare l’invenzione degli organi elettronici. Questo fu un risultato notevole che assorbì l’attenzione di molti ingegnosi inventori e progettisti di circuiti. Va sottolineato, tuttavia, che l’obiettivo di questi costruttori di organi era quello di simulare e sostituire gli organi a canne e gli armonium, non di fornire nuovi strumenti che stimolassero l’immaginazione dei compositori d’avanguardia.

La maggior parte degli organi elettromeccanici ed elettronici utilizzano la sintesi sottrattiva, come gli organi a canne. I segnali ricchi di parziali armoniche (come le onde a dente di sega) sono selezionati dall’esecutore alla tastiera e combinati e modellati acusticamente da circuiti di filtraggio che simulano le formanti, o frequenze di risonanza, gli spettri – cioè le componenti acustiche – delle fermate degli organi convenzionali. La formante dipende dal circuito del filtro e non si riferisce alla frequenza del tono prodotto. Un tono basso modellato da una data formante (una data battuta) è normalmente ricco di armoniche, mentre un tono alto è normalmente povero di esse. Psicologicamente, ci si aspetta questo da tutti gli strumenti musicali, non solo dagli organi ma anche dagli strumenti orchestrali.

Alcuni organi elettronici operano sul principio opposto della sintesi additiva, per cui le onde sinusoidali generate individualmente vengono sommate in proporzioni variabili per produrre una forma d’onda complessa. Il più riuscito di questi è l’organo Hammond, brevettato da Laurens Hammond nel 1934. L’organo Hammond ha qualità strane perché la ricchezza del suo contenuto armonico non diminuisce man mano che il suonatore sale sulla tastiera. Il compositore tedesco Karlheinz Stockhausen (in Momente, 1961-62), il compositore norvegese Arne Nordheim (in Colorazione, 1968), e pochi altri hanno segnato appositamente per questo strumento.

Il terzo è stato lo sviluppo di nuovi strumenti musicali elettronici progettati per fornire timbri non forniti dagli strumenti musicali ordinari. Durante gli anni ’20 ci fu un’esplosione di interesse nel costruire una straordinaria varietà di tali strumenti, che vanno dal pratico all’assurdo. I più riusciti erano relativamente pochi, erano monofonici (cioè, potevano suonare solo una linea melodica alla volta), e sopravvivono principalmente perché alcune musiche importanti sono state incise per loro. Questi sono il theremin, inventato nel 1920 da uno scienziato russo, Leon Theremin; l’Ondes martenot, costruito nel 1928 da un musicista e scienziato francese, Maurice Martenot; e il trautonium, progettato da un tedesco, Friedrich Trautwein, nel 1930.

Il theremin è un oscillatore audio a frequenza di battimento (generatore di onde sinusoidali) che ha due condensatori posti non all’interno del telaio del circuito ma, piuttosto, all’esterno, come antenne. Poiché queste antenne rispondono alla presenza di oggetti vicini, il tono e l’ampiezza del segnale di uscita del theremin possono essere controllati dal modo in cui un esecutore muove le mani nelle sue vicinanze. Un esecutore esperto può produrre tutti i tipi di effetti, tra cui scale, glissandi e flauti. Un certo numero di composizioni sono state scritte per questo strumento dal 1920.

L’Ondes martenot consiste in una tastiera sensibile al tocco e in un generatore di glissando a filo scorrevole che sono entrambi controllati dalla mano destra dell’esecutore, così come alcuni stop controllati dalla mano sinistra. Questi, a loro volta, attivano un generatore di onde a dente di sega che fornisce un segnale a uno o più trasduttori di uscita. Lo strumento è stato ampiamente utilizzato da diversi compositori francesi, tra cui Olivier Messiaen e Pierre Boulez, e dal compositore franco-americano Edgard Varèse.

Il trautonium, come l’Ondes martenot, usa un generatore di onde a dente di sega come fonte di segnale e una tastiera di nuova concezione che permette non solo un’accordatura ordinaria ma anche scale insolite. La maggior parte della musica composta per questo strumento è di origine tedesca, un esempio è il Concertino per Trautonium e archi (1931) di Paul Hindemith. Nel 1950 circa, una versione polifonica (capace di suonare più voci, o parti, simultaneamente) di questo strumento fu costruita da Oskar Sala, un ex allievo di Trautwein e Hindemith, per preparare le colonne sonore in uno studio cinematografico di Berlino. Questi strumenti sono diventati praticamente obsoleti, tuttavia, perché tutti i suoni che producono possono essere facilmente duplicati da sintetizzatori di musica elettronica.