La migliore musica classica del 2019

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I nostri critici elencano le migliori performance, le prime e le uscite digitali dell’anno dal mondo della musica classica e dell’opera.

Il meglio della musica classica quest'anno includeva, da sinistra in senso orario: Davóne Tines in

Passione, nuova e vecchia

Queste, in ordine cronologico, sono le performance che più ostinatamente si sono rifiutate di abbandonarmi nel corso dell’anno.

Piotr Beczala, a sinistra, come Maurizio e Anna Netrebko come protagonista in

“Adriana Lecouvreur”

Il Metropolitan Opera ha inaugurato il 2019 con una vera performance di gala: questo potboiler di Cilea, in una produzione direttamente sontuosa di David McVicar diretta da un animato G ianandrea Noseda. Anna Netrebko era imponente ma tenera nel ruolo del titolo, una delle sue parti migliori fino ad oggi. (Ha aggiunto un’altra parte a quel pantheon a Londra in marzo, con una fervente Leonora ne “La Forza del Destino” di Verdi). Anita Rachvelishvili ha brillato al Met come nemica maligna di Adriana; Piotr Beczala ha elegantemente strombazzato come l’uomo desiderato da entrambe. Era uno spettacolo all’antica, nel senso migliore del termine.

Esa-Pekka Salonen

Dopo aver scioccato il mondo classico con l’annuncio che sarebbe stato il prossimo direttore musicale della San Francisco Symphony, questo ammirato direttore d’orchestra e compositore – che aveva precedentemente indicato di essere fermamente fuori dalla corsa per un nuovo posto sul podio – è venuto in California a gennaio per guidare il suo nuovo gruppo. Il programma di opere di Anna Thorvaldsdottir, Strauss e Sibelius, suonato con impegno unitario, è stato di buon auspicio.

‘Columbia Icefield’

Questo nuovo lavoro del compositore e trombettista Nate Wooley era per quartetto, ma il suo umore primario era la solitudine. Eseguito al Pioneer Works di Brooklyn in una fredda notte di febbraio, con Wooley accanto a Susan Alcorn, Mary Halvorson e Ryan Sawyer, ha evocato un senso di cameratismo in mezzo all’oscurità, di tranquilla esaltazione e terrore di fronte al grande oltre.

Addio, abbiamo detto a marzo, alla messa in scena di Sonja Frisell del classico egiziano di Verdi al Met, che è di dimensioni gigantesche, amabilmente vecchiotta e innegabilmente drammatica. Dopo 31 anni e quasi 250 rappresentazioni, è stato messo da parte, per essere sostituito il prossimo autunno da una produzione di Michael Mayer che, molto probabilmente, coinvolgerà molto meno intonaco in stile pietra e geroglifici pseudo-induriti. Entrambi mancheranno, così come le orde di cavalli spesso ricalcitranti nella scena trionfale.

‘Atlas’

L’unica vera opera di Meredith Monk – una parabola di esplorazione quasi interamente senza parole, eterea e lirica – non era più stata fatta dai primi anni ’90 e, come le altre opere teatrali da lei dirette, non era mai stata tentata da nuove forze creative. Entra Yuval Sharon, un regista di talento che è stato incaricato dalla signora Monk di far rivivere “Atlas”. L’ha fatto, in giugno, con un’ambizione ammirevole e una modestia essenziale, e con le enormi risorse della Filarmonica di Los Angeles, che ha pagato l’enorme sfera, di 36 piedi di diametro, che sembrava galleggiare sul palco e serviva sia come spazio di gioco che come schermo di proiezione.

Yo-Yo Ma

Ho sentito parlare del successo della performance di questo violoncellista superstar delle sei suite soliste di Bach per il suo strumento all’Hollywood Bowl da 18.000 posti nel 2017. Ma mi sembrava impossibile che questa musica intima e sottile, suonata quasi senza pause per quasi due ore e mezza, potesse adattarsi a un simile ambiente. Ma ora sono un credente: Quando ha ripetuto l’impresa in giugno al Millennium Park di Chicago, molte migliaia di persone – me compreso – erano silenziosamente riveted putty nelle mani del signor Ma.

‘Oedipe’

Durante un Festival di Salisburgo particolarmente forte quest’estate, compresa una struggente “Alcina” con Cecilia Bartoli, questo è stato indimenticabile: L’opera Edipo di George Enescu, raramente rappresentata, si sposa perfettamente con lo stile surreale, carico di simboli e accuratamente infantile del regista Achim Freyer. Il palcoscenico era ricoperto dai suoi caratteristici disegni in gesso finto-naif – e marionette, bambole di pezza giganti, colori primari, maschere di teschi, la giustapposizione di figure allungate e tozze, trucco espressionisticamente audace e movimento glaciale. Tutto ciò ha evocato un incubo fiabesco, mentre Ingo Metzmacher ha sapientemente scatenato il pieno splendore della Filarmonica di Vienna.

‘Denis & Katya’

Dopo che “4.48 Psychosis”, il brutale studio operistico di Philip Venables e Ted Huffman sulla malattia mentale, ha fatto colpo a New York in gennaio, le aspettative erano alte per il loro nuovo pezzo, il clou del festival O19 di Opera Philadelphia in settembre. Scritto per due cantanti e quattro violoncelli, ed eseguito su un palcoscenico quasi spoglio, “Denis & Katya” era uno studio severo ma sensibile delle voci che circondano una tragedia della vita reale: la morte (forse per mano delle forze di sicurezza russe) di due amanti adolescenti rintanati con le armi in una capanna nel 2016. Mai didascalico, suggerisce tuttavia, attraverso una musica tesa e delicata, riflessioni sul linguaggio, la narrazione, i social media e l’etica artistica.

‘Les Indes Galantes’

Poteva andare molto, molto male. Un’opera barocca francese che mette una patina estetica sugli incontri coloniali, riadattata con una coreografia di strada: una ricetta per l’imbarazzo, nel migliore dei casi. Il fatto che sia stata invece una delle performance più fresche, carismatiche e toccanti che abbia mai visto parla dell’attenzione concettuale di Clément Cogitore, un artista e regista al suo debutto come regista teatrale, e di Bintou Dembélé, un pioniere della danza hip-hop francese (e dell’istinto acuto di Stéphane Lissner, il direttore dell’Opera di Parigi, dove l’ho visto in ottobre). Il cast di cantanti e ballerini era superbo, guidato in modo vibrante dal direttore Leonardo García Alarcón e dal suo ensemble Cappella Mediterranea.

“Requiem”

Dopo aver diretto un intenso “Idomeneo” a Salisburgo – l’ultimo dei suoi recenti colpi di scena in quel festival – Teodor Currentzis lo ha fatto di nuovo. A novembre allo Shed, questo direttore di origine greca e di formazione russa, insieme a MusicAeterna – l’orchestra e il coro di stimabile passione e devozione di culto di Mr. Currentzis – ha portato sia la grazia che la ferocia letteralmente lancinante nel Requiem di Verdi, un’opera che anche nelle buone esecuzioni può far controllare gli orologi al pubblico. Un film di accompagnamento di Jonas Mekas, l’avanguardista nonagenario morto a gennaio, ha sofferto di alcune immagini banali e ripetitive, ma MusicAeterna ha avuto un impatto elegante da solo, anche date le tracce di amplificazione richieste dallo spazio incombente.