7 modi di usare la musica per creare atmosfera e significato sullo schermo

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I registi amano giocare con le nostre menti. È quello che fanno meglio se sono bravi nel loro lavoro. Possono impiegare qualsiasi numero di modi per manipolare il pubblico, sia che si tratti di angoli di ripresa, lenti specifiche, l’illuminazione della scena, il dialogo o i movimenti degli attori – tutto, in realtà, è destinato a trasmettere un significato. E da nessuna parte, si potrebbe dire, questo significato viene fuori più che con la scelta della musica durante una scena.

Certo, ricordiamo specifiche citazioni e/o azioni fisiche degli attori, ma tutti possiamo canticchiare qualche battuta dei film Jurassic Park, Il Signore degli Anelli o The Social Network. E poi ci sono i registi che usano canzoni popolari (o oscure) nelle loro opere. “Sister Christian” in questa scena di Boogie Nights, “I Got You Babe” in Groundhog Day, e “Day-O (The Banana Boat Song)” in Beetlejuice sono tutti grandi esempi di scene che utilizzano perfettamente una canzone.

Sono tutte canzoni e film molto diversi, ma fanno molte delle stesse cose per creare un’atmosfera e un tono. Ecco alcune di queste cose e perché funzionano. Tienile a mente quando scegli la musica per il tuo prossimo progetto.

1. Abbinare il tono auditivo al tono visivo

Questa è probabilmente la parte più fondamentale per l’aggiunta di musica. Si sceglie una canzone o una composizione che rifletta il tono desiderato delle immagini. Un video timelapse della Via Lattea in lento movimento non funziona con il death metal, né una canzone lenta e atmosferica funziona con un video tilt-shift di un rally di monster truck.

Non è solo la melodia o il ritmo della canzone che trasmette il messaggio. Può essere il testo (se la canzone ha un testo). Un testo triste con una melodia in levare può ancora non funzionare con un video in levare, perché il testo è troppo contrastato. Lo stesso vale per canzoni più lente con testi allegri. Assicurati che l’intero pezzo si adatti a ciò che vuoi trasmettere.

Prendi Simon and Garfunkel’“The Sound of Silence.” E’una canzone iconica, che è stata usata in numerosi film, spettacoli televisivi, e sì, memes. Ma dato che è una canzone più lenta, più cupa e con un testo serio, è usata per indicare una svolta triste, specialmente il riff di apertura. Detto questo, è stata usata in commedie, drammi e film d’azione, perché dà ancora quel cambiamento di tono con quelle note di apertura.

Ecco un supercut di tutti gli esempi più notevoli che ho potuto trovare (a partire dall’originale, Il Laureato), dove “The Sound of Silence” entra in scena e si fa sul serio – soprattutto se i personaggi hanno commesso un errore enorme.

2. Fare l’esatto opposto e Don’t Match on Purpose

Al rovescio della medaglia, i registi useranno una “canzone o una composizione inappropriata” per trasmettere caos in una scena calma, o calma in una scena caotica. Un sacco di volte questo è usato per effetto comico, come nel film Dirty Work, quando Chris Farley’personaggio vuole una grande canzone di lotta, ma sceglie… beh, dovrete cliccare e vedere.

Un esempio di calma in una situazione caotica sarebbe da Finding Dory, per il finale dove il camion salta dalla scogliera e l’intero film rallenta mentre “What a Wonderful World” inizia a suonare. Ci dà un senso di umanità (so che sono pesci) mentre si scatena l’inferno. (SPOILER!)

3. Utilizzare sia la musica diegetica che quella non diegetica

La musica diegetica è la musica che proviene da una fonte all’interno del mondo del film. Nel Groundhog Day clip collegato sopra, la sveglia è un esempio di musica diegetica. Proviene da un oggetto di scena all’interno del mondo del film. La musica non diegetica è la musica che viene aggiunta al di fuori dello spazio della storia. Questo è fondamentalmente qualsiasi letto musicale o colonna sonora che si aggiunge per il tono emotivo o l’umore.

Quando sentiamo la musica diegetica, non abbiamo la stessa reazione della musica non diegetica in molti modi. Capiamo che sta influenzando i personaggi della storia, (che a sua volta può influenzare noi come spettatori), ma non ha così tanto oomph, perché c’è la barriera della realtà dietro la quale ci troviamo, vivendo la musica dall’esterno. Tuttavia, se la musica diegetica si trasforma in musica non diegetica, ci sentiamo immediatamente immersi nella storia e saremo colpiti direttamente dalla musica.

Prendi questa scena da Tommy Boy (non so perché due film di Chris Farley sono nei miei esempi, ma hey, immagino che sto mostrando la mia età). Guardate la musica passare da diegetica alla radio in macchina, a non diegetica, e di nuovo indietro. Noterete la differenza quando è sulla macchina; è una sensazione diversa da quando passa al mondo esterno nel film (c’è un taglio per tagliare il breve intervallo tra un canto e l’altro).

4. Enfatizzare i momenti importanti

I film sportivi sono noti per le enormi canzoni gonfiate che portano una scarica di emozioni. Quando si porta su un pezzo di musica così epico e gonfio, è davvero difficile non avere un effetto enorme sullo spettatore – quindi tenetelo a mente se volete che sia più sottile – ma nel complesso, è possibile utilizzare una colonna sonora epica per mettere a fuoco l’emozione che si vuole trasmettere. Guardate l’ultima battuta di Roy Hobson (Robert Redford) in The Natural e cercate di non avere la pelle d’oca. (SPOILER, tecnicamente. Ma dai, se non l’avete già visto, guardatelo e basta).

La musica costruisce, colpendo gli spettatori proprio nel cuore e tirando le corde fino a quando non hanno i brividi e stanno catalogando questo momento come uno dei più grandi che abbiano mai visto. Non abbiate mai paura di essere epici – assicuratevi solo che sia adatto. Una colonna sonora epica per un video che parla di tagliare le verdure non serve a molto.

Per vedere quanto sia importante una colonna sonora, guardate questo video di E.T. The Extraterrestrial (ancora SPOILERS, ma seriamente, guardate E.T.) senza l’epica colonna sonora finale di John Williams.

5. Trapiantare gli spettatori in un tempo e in un luogo

Se solo sentiste un film in riproduzione nell’altra stanza e ci fosse della musica di Huey Lewis and The News o Michael Jackson nella scena, sapreste che questo film è molto probabilmente ambientato negli anni ’80. Allo stesso modo, se si sentisse una colonna sonora composta principalmente da musica sitar, si saprebbe che probabilmente si sta guardando qualcosa ambientato in India.

I registi possono concentrarsi su date e periodi specifici semplicemente usando certa musica. Generazioni diverse possono sperimentare questi stili in modo diverso, naturalmente, ma la linea di fondo è che creano un arazzo molto dettagliato per quando e dove si svolge una narrazione, e possono piantare gli spettatori proprio lì per provare le stesse sensazioni di quel periodo di tempo – come, sapete, l’era della discoteca degli anni ’70/80.

Ci sono alcuni avvertimenti a questa regola, tuttavia. Come la maggior parte delle “regole” del cinema, possono essere infrante. Scelte musicali anacronistiche sono state utilizzate da molti registi nel corso degli anni. Sofia Coppola ha usato musica moderna post-punk in Marie Antoinette; A Knight’s Tale presenta canzoni rock classiche dei Queen e degli AC/DC; Baz Luhrmann ha usato tutti i tipi di canzoni moderne di artisti come Nirvana e U2 in medley e numeri musicali per Moulin Rouge; e Quentin Tarantino ha usato canzoni di Rick Ross e John Legend per Django Unchained.

Può essere molto stridente e molto strano, ma può anche fondersi perfettamente con l’umore, i personaggi e la trama per dare una grande giustapposizione di musica e immagini. Andateci piano qui, perché molte persone odiano questo, ma anche perché è difficile da tirare fuori se non ci riuscite.

6. Fai in modo che la musica riempia il vuoto

A volte le scelte musicali sono intenzionalmente destinate ad essere minime, per non distrarre dall’azione sullo schermo. Questo è il caso di molti documentari o video basati su interviste, dove si vuole un semplice sottofondo musicale per l’atmosfera, ma può anche essere il caso di grandi film di successo. Prendete questo video saggio dai ragazzi del canale YouTube Every Frame a Painting, estremamente divertente. Si immergono in profondità nel perché non ricordiamo nessuna musica del Marvel Cinematic Universe.

Non c’è niente di male nell’avere una traccia semplice e irrilevante sul tuo pezzo; assicurati solo di sceglierne una che si adatti all’argomento.

7. Lascia la musica se devi

Lasciare la musica o una colonna sonora fuori da una certa parte del tuo video o film può avere lo stesso impatto della musica stessa. Come per ogni cosa, tutto dipende dal momento in cui si sceglie di utilizzare la tecnica. I momenti drammatici che si svolgono in tempo reale con suoni naturali possono essere un potente strumento psicologico per mostrare la brutalità e la realtà di una data situazione. Può aggiungere tensione e suspense se non c’è nessun suono di sottofondo e il pubblico sta solo aspettando che qualcosa accada. La maggior parte di Cast Away non ha musica, ed è ancora avvincente da guardare.

Se una scena manca di qualcosa mentre la stai guardando, prova a buttarci dentro una traccia e vedi se questo aiuta, ma non aver paura di lasciarla per un’esperienza più intensa. (Questa scena di Django Unchained è molto violenta, quindi attenzione se cliccate).

La musica può essere una delle aggiunte più vitali al tuo progetto, o può essere semplicemente un riempitivo di fondo. Può migliorare la tua storia e diventare una parte iconica del video o del film, o puoi lasciarla fuori e mantenere i suoi effetti minimi e discreti. La chiave è come la usi, e quanto bene riesci a capire gli effetti e le tecniche che ti danno le migliori possibilità di fare centro la prossima volta che stai pensando di aggiungere della musica.

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