5 minuti che ti faranno amare i compositori del 21° secolo

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Abbiamo chiesto a Ivo van Hove, Justin Peck, Du Yun e altri di scegliere la musica che li muove. Ascolta le loro scelte.

In passato, abbiamo chiesto ad alcuni dei nostri artisti preferiti di scegliere i cinque minuti circa che suonerebbero per far innamorare i loro amici della musica classica, del pianoforte, dell’opera, del violoncello e di Mozart.

Ora vogliamo convincere quegli amici curiosi ad amare la musica scritta negli ultimi 20 anni – alcuni meditativi, altri esplosivi. Speriamo che qui troviate molto da scoprire e da godere; lasciate le vostre scelte nei commenti.

Justin Peck, coreografo

La “Partita” di Caroline Shaw mi ha fatto girare in tondo, mi ha trasformato e mi ha lanciato in una comprensione completamente nuova di ciò che la musica può essere. Il pezzo sembra tridimensionale, voluminoso, astronomico – ma anche intimo, personale e incrementale. È come se qualcuno ti sussurrasse all’orecchio mentre stai scalando la montagna più alta. È fragrante in modo unico; ha una precisione agile; si riversa organicamente in alcune delle armonie più sofisticate. Nelle bocche dei Roomful of Teeth, è un’esibizione virtuosistica dell’incredibile gamma della voce umana.

Caroline Shaw, “Partita per otto voci”

Ivo van Hove, direttore

Il compositore olandese Michel van der Aa è un onnivoro, influenzato da musica elettronica, pop, paesaggi sonori, film e arte installativa. I generi e i loro confini non gli interessano, come non interessano a tutta una nuova generazione. Ascoltate questo pezzo, pieno di poesia brutale e grandi ritmi: Vi afferrerà immediatamente, accenderà la vostra immaginazione e vi farà venire la pelle d’oca.

Michel van der Aa, “Blank Out”

Jeanine Tesori, compositrice

Amo “Strum” di Jessie Montgomery perché posso ritrovarmi in essa. Il modo in cui cerca e si sposta, cambiando colori e texture; il modo in cui il secondo violino e la viola uniscono le forze mentre il violoncello e il primo violino fanno lo stesso. Il modo in cui esplora e scuote e celebra questi strumenti, così che si sente che possono fare qualsiasi cosa tranne che atterrare un aereo. Come tutti i grandi gruppi da camera, il Catalyst Quartet è bello da guardare, come una famiglia in vivace conversazione a tavola: anticipa, interrompe, cambia argomento.

Jessie Montgomery, “Strum”

Tiona Nekkia McClodden, artista

C’è qualcosa di semplicemente stupefacente che accade in “Shedding Skin” di Courtney Bryan, ispirato dall’omonima poesia di Harryette Mullen. Ho incluso “Shedding Skin” nella retrospettiva di Julius Eastman che ho curato al Kitchen nel 2018 perché mi ha dato la sensazione che le sue opere hanno avuto la prima volta che le ho sentite. C’è tutta una storia comprensiva di molte tradizioni della musica radicale nera qui presente, il tentativo della signora Bryan di annotare l’improvvisazione all’interno della forma della composizione classica.

Courtney Bryan, “Shedding Skin”

Seth Colter Walls, scrittore del Times

Joseph C. Phillips Jr. lavora in uno stile che chiama “musica mista”. Qui, il suo ensemble, Numinous, inchioda i suoi tornanti – e i suoi riferimenti a Schoenberg e Curtis Mayfield – mentre offre miscele incontaminate di voce e archi, più un lavoro di chitarra che abbraccia il funk e la fusion-jazz.

Joseph C. Phillips Jr, “19”

Vikingur Olafsson, pianista

La musica che amo più spesso mi dà la sensazione di essere in transito – idee e sensazioni come paesaggi sempre mutevoli visti attraverso il finestrino di un treno. In “Stars – Sun – Moon”, il quarto movimento di “In Seven Days” di Thomas Adès, il viaggio diventa un viaggio nello spazio; i paesaggi sonori diventano paesaggi lunari. Questo caos meravigliosamente organizzato ha una delle scritture più fantasiose che io possa pensare per pianoforte e orchestra (qui, Kirill Gerstein e la Tanglewood Music Center Orchestra). Quando ho sentito questi suoni per la prima volta 10 anni fa, ho ridacchiato dolcemente, che è la mia reazione fisica un po’ goffa per essere stupita. Ho ancora quella reazione quando sento – o, in questi giorni, suono – questo movimento.

Thomas Adès, “In Seven Days”

Richard Reed Parry, musicista

Più una languida passeggiata attraverso un ambiente musicale che cambia lentamente che una composizione con un chiaro inizio, mezzo e fine, questo pezzo è esattamente il tipo di luogo dove ho voluto passare sempre più del mio tempo negli ultimi giorni. Sebbene appaia quasi senza scopo sulla sua superficie, è in effetti un’esperienza profondamente soddisfacente ascoltare questa forma al rallentatore nella sua interezza. Come ascoltatore, mi sento come se fossi seduto in una piccola barca a remi alla deriva su un lago, con il vento che mi spinge dolcemente avanti e indietro tra piccole insenature squisitamente belle, mentre la barca gira molto lentamente in cerchio; alla fine ho visto e sentito l’intero orizzonte di 360 splendidi gradi intorno a me, da ogni angolo, innumerevoli volte.

John Luther Adams, “Nel bianco silenzio”

Pam Tanowitz, coreografa

La musica di Ted Hearne è cuore e testa, divertente e seria e piena di immaginazione, intelligentemente rigorosa e allo stesso tempo così commovente da farmi piangere. La buona arte è così. La sua musica vive nello spazio tra lo storico e il personale, il passato e il presente, e prende sempre dei rischi nel modo in cui plasma il tempo. Ti senti come se stesse componendo il suo interno, le sue viscere. Mi ricorda questa citazione di Morton Feldman: “L’arte è un’operazione cruciale che facciamo noi stessi. Se non corriamo dei rischi, nell’arte moriamo.”

Ted Hearne, “Legge dei mosaici”

Garth Greenwell, scrittore

L’ambientazione di Donnacha Dennehy della tenera e macabra poesia d’amore di Yeats “He Wishes His Beloved Were Dead” è ossessionante ed essenziale, con lente e inquietanti dissonanze nei fiati e negli archi, trafitte da note simili a campane del pianoforte e della chitarra elettrica. Crea un palcoscenico intimo per la solista, le sue lunghe linee ornate da giri e note di grazia. Mi sono innamorato della voce di Dawn Upshaw da adolescente, quando stavo scoprendo la musica classica. Nelle prime registrazioni, la sua voce è una fontana d’oro. Ora è uno strumento diverso: più scuro, meno facile e, come questa canzone, quasi insopportabilmente bello.

Donnacha Dennehy, “He Wishes His Beloved Were Dead”

Du Yun, compositore

Punto fermo della scena improvvisativa newyorkese, la violoncellista e compositrice Okkyung Lee ha pubblicato il suo ultimo album due mesi fa. “In Stardust” è dedicato al fumettista coreano Kang Kyung-ok, che ha creato una serie di manhwa con quel nome, una storia fantascientifica su una normale liceale che poi si rivela essere l’erede di un regno interstellare. Doveva essere spedita nell’universo ma è finita sulla terra.

Okkyung Lee, “In Stardust (For Kang Kyung-ok)”

Joshua Barone, editore e scrittore del Times

Quando i compositori contemporanei si impegnano con le forme tradizionali – la sinfonia, il concerto – i risultati possono essere affascinanti. Come il quartetto d’archi, che ha quasi 250 anni ma è mantenuto fresco da artisti come Gabriella Smith, il cui “Carrot Revolution” (suonato qui dall’Aizuri Quartet) sfreccia dalla sua apertura percussiva attraverso giustapposizioni stilistiche indisciplinate come un giardino inglese. Sia un omaggio al passato della musica classica che una jam session folk, è un testamento alla storia del quartetto d’archi, alle sue possibilità e alla sua vitalità.

Gabriella Smith, “Carrot Revolution”

Seth Parker Woods, violoncellista

“San” di Du Yun per violoncello ed elettronica è un moderno vocalizzo contorto, che torna indietro nel tempo per onorare il guqin, un antico strumento a corda cinese. Il pezzo sembra trasportare l’ascoltatore in un’epoca lontana, e il violoncellista Matt Haimovitz tira fuori la complessa conversazione e la narrazione sepolta in questo lavoro attraverso melodie alte e svettanti, schemi ritmici non metrici, graffi e raschiature liriche.

Du Yun, “San”

Max Richter, compositore

Il “Contritus” di Caleb Burhans, registrato dal Quartetto JACK, è una bellissima porta d’accesso a tutti i tipi di ascolto e di pensiero. Questa partitura è molto del nostro tempo; è diretta e accessibile, ma porta con sé altri, più antichi modi di sperimentare. Il glaciale materiale di apertura sembra avere le sue radici molto indietro, nella musica per violino di Purcell, mentre le superfici scintillanti e pulsanti più avanti evocano la musica del nostro tempo. Non c’è bisogno di sapere nulla di tutto questo per godersi “Contritus”, però, perché l’armonia è così bella.

Caleb Burhans, “Contritus”

Anthony Tommasini, critico di musica classica del Times

Nella sua opera “Written on Skin”, ambientata in epoca medievale, la musica del compositore George Benjamin è modernista e incisiva, ma anche di una bellezza estatica. Un punto di svolta arriva quando l’analfabeta e curiosa Agnès (il soprano Barbara Hannigan, in questa prima registrazione dal Festival di Aix) guarda con stupore e sospetto come il Ragazzo (il controtenore Bejun Mehta) crea un libro illuminato. La musica racconta tutto: Gli aneliti erotici nascono tra i due personaggi, anche durante gli scambi mondani.

George Benjamin, “Scritto sulla pelle”

Klaus Makela, direttore d’orchestra

Una delle grandi gioie dell’essere direttore d’orchestra è presentare nuove opere al pubblico. Perú Negro” di Jimmy López è una delle cose che porto con me quasi ovunque io vada. È un lavoro di un’intensità sorprendente e di ritmi groovy, ispirato alla musica afro-peruviana, e l’introduzione perfetta alla musica orchestrale per una persona che non è mai stata a un concerto sinfonico. Ci sono molti livelli; si possono seguire i complicati ritmi delle percussioni o godersi le allettanti melodie dei fiati e degli archi.

Jimmy López, “Perú Negro”

Barbara Hannigan, cantante e direttore d’orchestra

Ophelia riappare, sul palco con l’orchestra, e ci racconta, con le sue stesse parole, come è andata. Paul Griffiths ha scritto un libro intitolato “Let me tell you”, usando solo le 482 parole che Shakespeare ha dato a Ofelia, lasciandole raccontare la sua storia. Il compositore Hans Abrahamsen ha trovato ispirazione in questo, e il risultato è un lavoro per soprano e orchestra che è forse il più bel pezzo di musica che abbia mai avuto l’onore di cantare. È pieno dell’innocenza e dell’esperienza di Ofelia, il suo cuore che si spezza in una “estasi di luce”.

Hans Abrahamsen, “Let me tell you”

Corinna da Fonseca-Wollheim, scrittrice del Times

Non succede molto in “Sky With Four Suns” di John Luther Adams, il primo movimento di un ciclo dedicato al cielo, al vento e al canto degli uccelli. Eppure il pezzo esercita un’attrazione magnetica. Senza battito e senza parole, questa meditazione corale sembra esistere fuori dal tempo. Eseguita dal Crossing, le armonie si spostano lentamente – e con esse i colori vocali, passando dal calore risonante alla metallica nasale – così che la musica sembra catturare lievi cambiamenti di chiarezza e luce. Il signor Adams è un devoto attivista ambientale e la sua musica sposa la riverenza di un mistico per i fenomeni naturali con l’acuta osservazione di uno scienziato.

John Luther Adams, “Sky With Four Suns”

Chris Thile, musicista

La persona con cui condividi il tuo spazio vitale dorme già? Bene. Lo stesso per me. Cosa bevi? Bene. Ci sto. Conosci le regole: Uno di noi sceglie il drink, uno di noi sceglie la marmellata. Quindi: “Sustain” di Andrew Norman. Un notturno orchestrale graziosamente inquietante per l’estate del 2020, se mai ce ne fosse uno (anche se è stato eseguito in anteprima da Gustavo Dudamel e dalla Los Angeles Philharmonic nell’autunno del 2018). Ok, cuffie in testa, luci spente, facciamo il check-in tra cinque minuti.